Syndie Berger était présente aux dernières Rencontres Nationales de la FFCLD à Issoudun où elle a été récompensée par deux Awards : Meilleure Chorégraphe Féminine de l’Année 2015 et pour sa chorégraphie Celtic Na La qui a remporté l’award de la Meilleure chorégraphie « Débutant » pour l’année 2015. Elle nous raconte ici sa passion pour la danse.

CF : Quand as-tu commencé à t’intéresser à la Line Dance ?

SB : J’ai commencé la danse en Mars 2002, avec Valérie Morel jusqu’en Octobre 2012, puis ma leucémie m’a obligé à m’absenter du dance-floor pendant presque trois ans.

J’ai repris les cours depuis la rentrée 2015 mais sous surveillance et en mi-temps thérapeutique car toujours suivie par mon hématologue et pas à 100% de mes capacités physiques.

CF : Comment vois-tu l’évolution de la Line Dance, l’abondance des chorégraphes et des chorégraphies, comment gères-tu cela en tant qu’animatrice dans tes cours et en tant que chorégraphe ?
SB :  J’ai suivi au fil des années l’évolution de la Line Dance. Il y a du bon et du moins bon … Ce qui m’a attiré au départ, c’est la musique Country. Étant chanteuse, les chansons à texte et les voix m’ont plu ! Ensuite lorsque j’ai vu les danseurs au Billy Bob’s, j’ai adoré le visuel que rendait la danse en ligne et la bonne humeur des danseurs, c’était beau à voir.

Quand j’ai débuté, nous n’avions pas de playlists dans les soirées, ni tags, ni restarts dans les chorégraphies. On n’avait pas 4 chorégraphies sur la même musique, et c’était celui qui lançait une chorégraphie en premier que l’on devait suivre. Il n’y avait pas autant de chorégraphies que maintenant. Et on était les plus heureux du monde ! On dansait 10 fois les mêmes danses, mais ça n’avait pas d’importance car la musique changeait à chaque fois ! On s’adaptait !

Avec le temps, les musiques ont été plus respectées et les chorégraphies ont vu apparaitre les Tags et les Restarts, voire des parties ABC. Tous les danseurs font la moue boudeuse mais il faut avouer que c’est le côté positif de l’évolution de la Line Dance : on respecte plus l’écriture et la structure musicale.

Malheureusement avoir l’oreille musicale n’est pas donné à tout le monde et une chorégraphie ça se travaille pour sortir quelque chose de cohérent.

Trop de gens se disent « chorégraphe » un peu trop rapidement et sans avoir fait leurs preuves auprès du public. Quand j’ai commencé à créer des chorégraphies, je les « testais » dans mes cours sans dévoiler qui était derrière cette danse. Je voulais un avis sincère, pas des compliments juste pour me faire plaisir ou ne pas me blesser. Parfois ça plaisait et d’autres fois pas du tout. Mais j’ai continué et lorsque j’ai eu mon premier contrat en tant que « chorégraphe », j’ai compris que mon travail pouvait plaire et une belle aventure a commencé.

Dans mes cours chaque semaine, j’apprends de tout à mes danseurs, ils le savent avant de s’inscrire pour l’année. Je mélange des nouvelles danses avec des anciennes, car nous avons de très belles danses « vintage » tombées malheureusement dans l’oubli. A nous animateurs de continuer à les faire vivre et faire (re)découvrir ces merveilles aux nouveaux comme aux anciens !

Faire une boulimie de danses pour pouvoir se pavaner sur la piste tous les week-ends, très peu pour moi, je laisse ça aux autres et je ne les envie pas ! Surtout si c’est pour les oublier le mois suivant, au profit de la dernière chorégraphie à la mode qui va cartonner 3 semaines. Je privilégie la qualité pas la quantité. Je remarque que parmi ces gens-là, beaucoup ne dansent plus mais copient sur les autres. Où est passé le plaisir de s’exprimer librement sur une danse ?

Ce que je déplore, c’est cette surconsommation de danses. Ça va trop vite, on prend puis on jette… des danses kleenex. Ça fait du bien de retourner parfois aux sources et de revenir sur des petits bijoux qui n’ont pas eu le temps d’éclore, et surtout de prendre le temps ! En tant que chorégraphe, dans mes workshops, je demande toujours au club qui me fait venir ce qu’il attend de mes stages. Je m’adapte à la demande; si c’est 100% Country, un mix « Country/New Line » sans oublier les Irlandaises. Avant mon cancer, j’avais essayé le style Catalan, mais avec ma forme physique actuelle, j’ai du abandonner pour le moment. J’essaie aussi de venir avec des nouveautés, bref je m’adapte pour faire passer un bon moment de détente et de fun. Je n’écris pas de chorégraphies sur une musique qui ne me parle pas, je ne suis pas une usine à chorées ! Le but premier de la danse : S’AMUSER !

CF : Tu présentes deux de tes dernières chorégraphies au pot commun IDF, et deux autres sont présentées par des animatrices de la région, c’est une belle reconnaissance. Quel est ton point de vue de chorégraphe sur le rôle des pots communs, celui d’IDF et ceux des autres régions ?

SB: C’est la plus belle des récompenses que de voir son travail mis à l’honneur par d’autres que soi. Voir de nouvelles vidéos de ses chorégraphies sur le net, cela fait chaud au coeur. On se dit qu’on ne fait peut-être pas tout ça pour rien et que quelque part, des gens aiment notre travail. Je remercie Catherine Heaumon et Christine Baubry qui m’ont fait l’honneur de présenter deux de mes chorégraphies. Mes chorégraphies ont eu du mal à percer en IDF, mais elles ont été très dansées en province.

Depuis quelques mois, ma région parisienne me fait confiance et ce dernier Pot Commun IDF me le prouve encore. Et ça c’est « kiffant » !

Les Pots Communs sont une belle initiative pour pouvoir retrouver cet esprit de rassembler les gens autour de la même danse. Le seul bémol est qu’il existe tellement de magnifiques danses, qu’il en devient difficile de devoir choisir et voter. Du coup on se retrouve avec beaucoup de danses et pour la région parisienne, nous avons deux pots communs par saison. Mais nous avons le choix et certaines chorées sortent du lot et ont leur petit succès. D’autres devront attendre pour se faire connaitre et certaines n’iront pas plus loin. Les Pots Communs en France, peu importe la région, permettent aussi et surtout aux chorégraphes français de faire connaitre leur travail. Les chorégraphes internationaux ont la part-belle et beaucoup plus de reconnaissance que les chorégraphes français dans le milieu de la Line Dance. Donc le Pot Commun est une excellente idée pour faire ressortir les talents français trop souvent « écrasés » par les stars internationales.

CF : Comment fais-tu pour trouver/choisir des musiques ?

SB: Ah la fameuse question que l’on me pose très souvent 😉 Il n’y a pas une journée que je passe sans écouter de la musique. Voilà le secret !

Même quand j’étais hospitalisée pour ma leucémie, j’avais mon MP3. J’ai besoin de ça dans ma vie pour me sentir bien, pour m’évader. Pour trouver mes musiques, c’est très souvent par hasard. Un nom original ou un chanteur que je ne connais pas et me voilà à écouter ses oeuvres. Dans les magasins aussi, vous pouvez me croiser le bras en l’air dans un rayon, avec mon smartphone en train de « Shazamer » le titre qui passe à la radio. C’est fou les artistes intéressants que j’ai pu trouver ainsi !! Ça fait rire les gens en tout cas 😉

J’écoute des albums entiers en faisant mon ménage ou mon repassage et quand une musique me parle, je peux l’écouter en boucle. Parfois je chorégraphie, et parfois non tout simplement parce-que les pas ne me viennent pas. Après c’est une question de feeling. Je peux aimer une musique mais ne rien pouvoir en faire.

Je peux aussi écrire une chorégraphie comme « Whiskey’s Gone » en deux heures, en l’ayant entendu lors d’un retour d’un bal à 2h du matin, avoir les pas pendant le trajet en voiture et la danser dans la rue devant mes amis pour voir ce que ça donne ! Et ensuite rentrer chez moi en courant pour continuer à écrire toute la nuit ! Je travaille mieux la nuit pour mes chorégraphies, allez savoir pourquoi !

Parfois comme « Master of Tides » ou ma première chorégraphie « Gypsyka », il m’a fallu plusieurs semaines ou mois pour que la chorée se fasse, car je suis trop perfectionniste et il faut que ce soit cohérent, original et agréable à danser ! Mes choix de musiques se portent sur tous les styles, je chorégraphie beaucoup plus facilement sur de la musique Country ou Celtique alors que je suis avant tout une grande fan de New Line ! C’est là que je m’amuse le plus car elles sont souvent « difficiles » et j’aime repousser mes limites. Et les musiques y sont très variées.

CF : Comment fais-tu pour choisir les chorégraphies que tu enseignes (en dehors des tiennes) ?

SB: Dans mes cours, j’essaie de suivre la tendance du moment, en évitant le bourrage de crâne. Je regarde passer les playlists et je jette un oeil aux chorées que je ne connais pas. Si elles peuvent plaire à mes danseurs, alors je fonce !Je passe beaucoup de temps sur Internet pour trouver des danses nouvelles qui pourraient plaire, des musiques sympas. Je ne vais pas forcément prendre la chorégraphie de untel parce-que c’est un chorégraphe connu. Mais je fais en sorte d’être très à l’écoute de ce que veulent mes danseurs. Ça va plaire à certains et pas à d’autres, mais la semaine d’après j’essaie de contenter les mécontents de la semaine passée. J’ai toujours eu la chance de tomber sur des gentils danseurs, motivés et surtout là pour se détendre et apprendre sans se prendre la tête. C’est un travail d’équipe entre mes danseurs et moi. Même si je n’aime pas forcément la danse choisie, je veux avant tout leur faire plaisir car sans les danseurs, nous ne sommes rien.

Lorsque j’ai été touchée par la leucémie, cela a crée une vague de solidarité et de messages qui m’ont un peu dépassé. Je me suis enfouie dans ma solitude et j’ai dû abandonner les pistes de danse pour plusieurs mois. C’était très frustrant de voir les autres faire ce que je ne pouvais plus faire. J’ai tenté de revenir en Septembre 2013 mais la maladie est revenue aussi en Décembre 2013. Beaucoup trop de contrariétés m’ont poussé à bout et j’étais de nouveau enfermée dans ma « bulle » stérile en vue d’une greffe de moelle osseuse. Un mois avant ma greffe, j’ai perdu mon Papa, lui aussi atteint par la leucémie. Mes parents m’ont transmis cette force de me battre face à l’adversité, de ne jamais abandonner. Nous nous sommes battus avec mon père, mais la maladie l’a emporté quinze jours après mon trentième anniversaire.

Je dois avouer que la forme physique a diminué et je pense souvent à prendre ma « retraite » de danseuse. J’ai besoin d’être rassurée car je manque de confiance en moi.

Maintenant que je suis sur le chemin de la guérison, qui ne sera jamais réellement définitive, je veux pouvoir aider à mon tour ceux qui traversent cette maladie. Les 20 & 21 Mai 2017, j’ai en projet l’organisation d’un événement Line Dance, avec la venue de quatre grands chorégraphes internationaux, et de reverser la recette du week-end à une association en création et qui permettra d’améliorer la vie des personnes atteintes de leucémies, enfermées dans les hôpitaux, comme l’achat de petits frigos dans les flux stériles par exemple, ou des soins bien-être pour soulager la violence des traitements. J’espère sincèrement que ce projet aboutira car il me tient à coeur. On n’a pas idée comme la vie est difficile dans ces moment-là …

Martine Canonne a immortalisé le moment avec Jo au téléphone, quel souvenir ! Je suis en admiration devant cette femme depuis le début de ma petite vie de danseuse, c’est plus qu’un modèle pour moi, c’est une icône. Jo Thompson est selon moi LA MEILLEURE en tout dans ce milieu. Je suis admirative par sa simplicité, son sourire, ses chorées toutes plus travaillées les unes que les autres et sa façon de danser où elle vole tout en légèreté. Cette femme est un ange, a énormément de classe et n’a pas besoin d’en faire des tonnes pour que tous les yeux se tournent vers elle ! C’est une vraie diva de la Line Dance. Et nous avons un malheureux point commun ensemble : la maladie.

Elle aussi a été malade et a subi une greffe. J’avais déjà échangé pas mal de mails avec elle, je veux absolument la faire venir en France, ce serait vraiment mon plus grand rêve ! Mais elle est overbookée et souhaite reprendre ses contrats qu’elle n’a pu honorer à l’époque (une preuve de plus de son professionnalisme que j’admire tant). Donc je patiente en attendant LA date.

CF : Que penses-tu de la difficulté des chorégraphes Français à percer dans le milieu par rapport aux internationaux ?

SB: C’est ce que je regrette le plus. Bien sûr que les chorégraphes internationaux les plus connus sont hyper talentueux pour la plupart. Mais cela ne veut pas dire qu’ils font des chorées géniales à chaque fois. On a eu le droit à ce que j’appelle des bonnes « bouses » aussi !

Mais nous avons en France d’excellents danseurs/chorégraphes qui méritent un peu plus de reconnaissance ! Malheureusement, un fossé sépare pour le moment les chorégraphes internationaux des chorégraphes français. Surtout en qualité de reconnaissance.

Je regrette que le reste du monde ne fasse pas plus confiance aux talents français et se focalisent sur les mêmes chorégraphes, qui parfois ne se cassent pas la tête pour écrire des chorégraphies. Le but étant de créer encore et encore pour satisfaire les demandes, et ce peu importe si d’autres « petits » chorégraphes ont déjà créé quelque chose sur la même musique qu’eux, avant eux et parfois mieux qu’eux.

Le seul qui commence à se démarquer, c’est Guillaume Richard. Il a récemment été à Chicago et a enfin touché son rêve : être parmi les plus grands ! C’est le premier français à avoir réussi à exploser au-delà des frontières et ça aura pris plus de 10 ans quand pour d’autres, ça ne prend que quelques mois parce-qu’ils sont hollandais, américains ou anglais.

En France, nous n’avons pas non plus le même type d’événements, ni le même niveau. Et je ne parle pas de la mentalité non plus, car nous sommes réputés pour être d’éternels râleurs ! Mais j’espère que Guillaume ne sera pas le seul et que d’autres connaîtront la même reconnaissance ou suivront le même chemin. Il a ouvert la voie, maintenant à nos talents français de montrer de quoi ils sont capables.